Aqui destroza coches

 

        

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

La superstición influye también en el menú de Año Nuevo: un puñado de lentejas simboliza monedas; comer cerdo es presagio de abundancia desde tiempos de la antigüedad egipcia, y en Japón e Italia los tallarines son señal de vida larga.

Las lentejas son el plato de la suerte, que representa la abundancia y la riqueza, tanto en el plano espiritual como material. Comer una cucharada cuando den las doce es una costumbre bastante difundida. Otros granos que pueden comerse son arroz, porotos, garbanzos. Todos representan la buena cosecha, la fertilidad, la generosidad. Por lo mismo son usados como elementos decorativos en la mesa o en otros rincones de la casa.
Sin duda, comerse 12 uvas al son de las campanadas es la tradición más popular durante la Nochevieja. No hay campanario donde no se congreguen personas con ganas de fiesta y con 12 uvas, se dice de la suerte, en la mano. Al ritmo de la campanadas, se deben formular 12 propósitos o deseos, al mismo tiempo que se comen las uvas. Las uvas en España son una tradición muy reciente (los años 20 del siglo pasado) y debida a que los viticultores catalanes tuvieron un año de producción excesiva, pero se ha extendido por el mundo hispano y se supone que cada uva tragada traerá un mes bueno.

Claro que las uvas no son los únicos amuletos a los que nos encomendamos para tener salud, dinero y amor durante el año que empieza. Algunos depositan un anillo de oro en la copa con la que brindarán por la llegada del Año Nuevo.

Por ejemplo, El pavo relleno, el ponche a la romana, los fuegos artificiales y un baile que comienza después del abrazo de medianoche son parte del ritual europeo con que actualmente se identifica a esta celebración en Chile.   

     

Cada país lo celebra a su manera, y en algunos casos las tradiciones son tan arriesgadas que dejarían helado a más de uno. ¿Quieres saber cómo se celebra la llegada del nuevo año en otros lugares del mundo?. Veamos

 Alemania: Los fuegos artificiales también son tradición en Alemania, que da la bienvenida al año nuevo con un impresionante espectáculo pirotécnico en la Puerta de Brandenburgo de Berlín.

 Australia: Los australianos son los primeros en celebrar la llegada del nuevo año, y lo hacen con un maravilloso espectáculo pirotécnico en el Sydney Harbour Bridge, junto al edificio de la ópera.

 Austria:La capital austríaca vive cada año el tradicional Concierto de Año Nuevo gracias al trabajo de la Orquesta Filarmónica de Viena. Es uno de los conciertos más seguidos del año en todo el mundo.

 Brasil: Los brasileños despiden el año que se va saltando siete olas en la orilla del mar y cantando canciones tradicionales de fin de año. Justo después, las repletas playas de Copacabana, en Río de Janeiro, sirven de escenario para los espectaculares fuegos artificiales, a los que normalmente acuden más de dos millones de personas.

 Canadá: En Toronto, los más atrevidos celebran el nuevo año patinando sobre hielo en la plaza de Nathan Phillips, en el centro de la ciudad.

 Costa Rica: En Costa Rica se celebran corridas de toros cada primero de enero, y decenas de jóvenes se atreven a participar para demostrar su coraje intentando tocar los cuernos de los toros sin ser cogidos.

 Egipto: Los egipcios tienen la costumbre de buscar un punto alto para ver la última puesta de sol junto a sus mezquitas.

 Escocia: En Escocia la cerveza es tradición en todos los ámbitos, también en Navidad. Cada primero de enero todas las ciudades celebran la fiesta del Hogmanay, que consiste en incendiar un barril de madera para hacerlo rodar por las calles para que de buena suerte. En la foto puede verse la fiesta de Edimburgo.

 Estados Unidos: Los fuegos artificiales y el confeti son un clásico para los neoyorquinos, que celebran la llegada del nuevo año en Times Square. La tradición dice que hay que darse un beso junto después de las 12 de la noche.

 Francia: A pesar del frío, cada 31 de diciembre cientos de nadadores se lanzan al mar en el suroeste francés para despedir el año haciendo unos largos.

 Grecia: Cada fin de año, los fuegos artificiales iluminan el Partenón, en la zona más alta de la Acrópolis de Atenas, en un bellísimo espectáculo.

 Italia: Cada primero de enero se repite en el Tíber una típica ceremonia romana que se celebra desde 1966. Los más atrevidos saltan desde el Ponte Cavour a las aguas del río para dar la bienvenida al nuevo año.

 Japón: La tradicional ceremonia ritual de sumo dedicada al nuevo año se celebra cada enero en el santuario Meiji Shrine, en Tokio, ante más de 4.500 espectadores.

 Rusia: La villa rusa de Vladimiro-Alexandrovskoye celebra la Epifanía de una forma muy peculiar. Cada año cortan el hielo del río Syuchan para bendecir a los jóvenes de creencias ortodoxas, que deberán bañarse en sus aguas, cuya temperatura no supera los 5 grados.

 Suecia: Cada año, el complejo alpino de Villars, en Suiza, celebra la llegada del nuevo año con una carrera de bicicletas de montaña por la nieve en la que participan más de 100 ciclistas llegados de todo el mundo.

Y por supuesto no podia faltar, el Campeonato de Saltos que acoge las pruebas la estación de esquí alemana de Garmisch-Partenkirchen cada año el 1 d Enero.  

                                                                                  

                                          

                             
                  

          

El verdadero Miguel Ángel veneciano fue Tintoretto. Este artista es uno d los pocos que poseyó el temperamento de Miguel Ángel, enamorado  de vencer dificultades, fogoso, Tintoretto ha encontrado en los contrastes violentos de luz y sombra, unos maravillosos efectos ignorados por sus predecesores. Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado Il Furioso, y su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco.

 

  La Traslación del cuerpo de San Marcos es uno de los cuadros más conocidos del pintor italiano Tintoretto. Está realizado en óleo sobre lienzo. El cuadro representa el momento en que, después de hallado el cuerpo del santo, es trasladado a Venecia. El pintor, para darle más espacio a la obra, lleva la escena principal del Salvador a un lado, y sitúa en el centro un tema secundario, el despojar de las calzas al apóstol, pero el movimiento de este  impulso va hacia el fondo. Las luces y sombras bajo la mesa nos conducen también hacia el fondo lejano del cuadro.

 

  En la obra d Susana y los Viejos o en el baño,  tiene lugar en el aire libre y lo más destacado de él, es el uso de la luz para modelar los cuerpos y crear cierto clima en el cuadro. La historia de Susana es la de una joven «muy bella y temerosa de Dios», esposa del rico Joaquín, a quienes dos viejos espían en el baño. La intentan obligar a tener relaciones sexuales con ellos, diciéndole que, si no accede, dirán que se ha quedado sola, sin sus doncellas, para estar con un joven. Susana no cede a sus amenazas. Entonces los viejos la acusan de adulterio y consiguen que se la condene a muerte. Interviene entonces el profeta Daniel quien, interrogando a los ancianos, acaba probando la falsedad de la imputación, con lo que Susana se salvó y los ancianos fueron ejecutados. Aunque ocupe la mitad derecha del cuadro, el personaje de Susana es el centro de atención, con una blancura deslumbrante bañada de luz. Es una joven de encantos en plena madurez.

A la izquierda, hay un seto de rosas, a cuyos extremos se encuentran los viejos. Entre Susana y ese seto aparecen toda una serie de objetos y joyas que parecen un bodegón por sí mismos , entre ellos el espejo en el que Susana se mira, el paño de seda blanco parasecarse y un frasco de perfume de porcelana, con llamativos brillos. La composición lleva la mirada, a través de las perspectivas de líneas de fuga, hacia el fondo del cuadro, al estanque con sus reflejos en el agua y el parque más allá.

  En  La batalla entre San Jorge y el Dragón simbolizaba la lucha entre el bien y el mal, con triunfo del primero. Era un tema clásico en la pintura occidental, y Tintoretto lo trata a principios de su época de madurez. Es un lienzo de pequeño tamaño que sugiere que fue pintado para devoción doméstica. Un dragón hace un nido en la fuente que provee de agua a una ciudad. Como consecuencia, los ciudadanos debían apartar diariamente el dragón de la fuente para conseguir agua, lo que conseguían mediante la ofrenda de un sacrificio humano que se decidía al azar entre los habitantes. Un día resultó seleccionada la hija del rey. Cuando estaba a punto de ser devorada por el dragón, aparece San Jorge, oficial romano en Capadocia, se enfrenta con el dragón, lo mata y salva a la princesa. Los agradecidos ciudadanos abandonan el paganismo y abrazan el cristianismo. Domina la composición la figura de la princesa en el primer plano. Mira hacia atrás, atrayendo con su mirada la del espectador hasta la figura de san Jorge que lucha con el dragón y el mar al fondo. Inusual es también la presencia de un cadáver con los brazos extendidos, en la postura de Jesucristo crucificado, puesto que no aparece en las representaciones tradicionales de san Jorge. Los ricos verdes del paisaje se consigue gracias a la malaquita. Los artistas de la época no solían usarla como pigmento. Pero resulta básica en la obra de Tintoretto.

 

  El lavatorio es el resultado de un concienzudo proceso creativo. Tras trazar el escenario, Tintoretto introdujo los personajes pensando en el punto de vista del espectador. Si al contemplar frontalmente El lavatorio los personajes aparecen distribuidos aleatoriamente, la impresión cambia al mirarlo desde la derecha, desde una posición similar a la de la feligresía de San Marcuola. Desaparecen así los espacios muertos entre las figuras y el cuadro se ordena a lo largo de una diagonal que, partiendo de Cristo, prosigue por la mesa en la que aguardan turno los apóstoles para acabar en el arco al fondo del canal.   

La Santa Cena ha empezado y Jesús lava los pies a sus discípulos, la situación es aparentemente tranquila pero en el aire se vislumbra el sufrimiento, la agonía y la muerte que van a llegar en las siguientes horas. Después vendrá el Reino de los Cielos pero mientras el dolor y el miedo se extienden y lo cubren todo. Los apóstoles, taciturnos, rehuyen la mirada. En esta obra del  lavatorio, muestra un ritual purificador narrado en el Evangelio de San Juan en el que se exhorta a la humildad y en el que se confirma a los apóstoles como los elegidos y a San Pedro como el primer Padre de la Iglesia al recoger el momento en el que Jesucristo se arrodilla ante él y le lava los pies.

San Pedro se presenta como uno de los principales protagonistas, erecto y majestuoso. Su apariencia noble y recia contrasta con el aspecto popular del resto de los apóstoles, inclusive el de Jesucristo, pero no consigue captar del todo nuestra atención aún estando en un primer plano porque la escena que interpreta, motivo del encargo, carece de una ubicación privilegiada en la composición general. El diseño de este mosaico sigue la perspectiva con gran precisión retrotrayéndose a los principios del renacimiento clásico aunque la naturalización del dibujo geométrico alrededor de los personajes y los cambios de tonalidades de las baldosas son una respuesta a las rígidas geometrías de los mosaicos renacentistas. El color, la perspectiva y la atmósfera unifican el recinto con el paisaje y consiguen prolongar el uno en el otro. El paisaje de edificios blancos y palaciegos bordea un canal por el que navegan unas barcas y que se cierra con un arco, a través del cual, el punto de fuga se pierde en el cielo. El armazón geométrico donde transcurre el acto sagrado crea un lugar único, misterioso y bello que engulle lo que ocurre en él.

El espacio es de una enorme teatralidad, pintó lo que podría ser una puesta en escena de un auto sacramental, caracterizó a los apóstoles como actores de las comedias al uso equivalentes a la gente común y los rodeó de un escenario magnífico, de un decorado espléndido que realizó con extrema meticulosidad por lo que contrasta más si cabe esta caracterización de los discípulos. Primeramente pintó los elementos arquitectónicos, recinto, mosaico y paisaje y, una vez éstos completamente terminados, hizo la mesa, las banquetas y por último, a los apóstoles y sus ropajes. Para decidir la ubicación y la posición de éstos, montó una pequeña caja en la que colocaba unas minúsculas figuras de cera sobre las que proyectaba las luces y los reflejos. Después de pintados los personajes, alteró alrededor de ellos el dibujo geométrico del pavimento naturalizando la primitiva sujeción a la regla logrando visualmente con ello un mayor realismo.

El manierismo es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento hasta los comienzos del período Barroco, hacia el año 1600. Se originó en Venecia, gracias a los mercaderes y en Roma gracias a los papas Julio II y León X, pero finalmente se extendió hasta España, Europa central y del norte. Se trataba de una reacción anticlásica que cuestionaba la validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento. Este estilo se preocupaba por solucionar problemas artísticos intrincados, como desnudos retratados en posturas complicadas. Las figuras en las obras manieristas tienen frecuentemente extremidades graciosas pero raramente alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado, mientras sus posturas parecen difíciles o artificiales es decir alla maniera.

La orfebrería fue uno de los ámbitos más beneficiados por este complejo arte, que afectó tardíamente, pero de forma genial, a El Greco. Como reacción al manierismo, surgió en Italia el caravaggismo. Después de ser reemplazado por el barroquismo, fue visto decadente y degenerativo. En el siglo XX fue apreciado nuevamente por su elegancia. Entre los artistas que practicaron este estilo están Parmigianino, Beccafumi, Benvenuto Cellini, Giulio Romano, Rosso Fiorentino, Bronzino, Tintoretto, Hans von Aachen, Bartholomeus Spranger, Hendrick Goltzius, El Greco y Federico Zuccaro.

Un ejemplo de arquitectura manierista es la Villa Farnese en Caprarola, a las afueras de Roma. Un centro del Manierismo fue Amberes en su época de prosperidad en el siglo XVI. El "Manierismo de Amberes" fue la forma en que la Arquitectura renacentista se introdujo en Inglaterra, Alemania y la Europa Central y del Este en general.

 

    TIZIAN0

Nacido hacia 1490,  pintor italiano del Renacimiento y uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas", Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Si hubiese fallecido a los cuarenta años, seguiría considerándosele el artista más influyente de su época. Sin embargo, tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas. Durante su dilatada carrera, se convirtió en el más influyente de los pintores de la Escuela veneciana, y en el más laureado de la República Serenísima en toda su historia. En 1518 completó, para el altar mayor de la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari en Venecia, la Asunción de la Virgen, que aún permanece allí. Esta extraordinaria pieza del colorismo, realizada en una gran escala cromática raramente usada en Italia anteriormente, causó sensación en su época.

     Esta tabla fue importante pues estableció la popularidad de Tiziano en Venecia, aunque en un principio suscitó tanta admiración como reticencia. Le llevó a Tiziano dos años (1516-18) completar la Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari, cuya dinámica composición triangular y viveza de colores lo convirtió en el más clásico de los pintores fuera de Roma. Es un retablo monumental, el de mayor tamaño de la ciudad de Venecia, y está dedicado a la Asunción de María.

La pintura muestra diferentes acontecimientos en tres capas. En la inferior están representados los Apóstoles, con los brazos alzados hacia el cielo, con la excepción de san Pedro, cuyos brazos están cruzados. Miran a la Virgen María, vestida de azul y rojo, que está volando entre ellos y Dios, en pie sobre una nube y está rodeada de querubines celebrando y bailando. Junto a Dios, que la está esperando, hay otro querubín sosteniendo la corona de la Gloria Santa.

En este cuadro, Tiziano rompe con la dulzura y el tonalismo de Giorgione. Se nota la influencia de Miguel Ángel en la figura de Dios Padre, y la de Rafael Sanzio en la composición piramidal. Los tres planos están unidos por un efecto de luz insólito. Los personajes están representados en movimiento, con posiciones distintas: de frente, de espaldas o en escorzo.

  Esta obra fue un encargo de Alfonso d'Este, duque de Ferrara.  Aquí se representa un tema mitológico, una bacanal, fiesta del dios del vino, Baco. Se enmarca en la isla de Andros. Tiziano dinamiza la escena con vivos movimientos y la línea ascendente diagonal que, desde la esquina inferior izquierda, va subiendo hasta alcanzar la figura del anciano que duerme en la parte superior de la derecha.  Todo el cuadro desprende la alegría sensual del vino, incluyendo algún desnudo, como el del borde inferior derecho, figura que recuerda a una Venus y que es ejemplo de la cuidadosa composición por parte del autor . Podría estar representando a Ariadna, personaje relacionado con Baco. Los personajes se agitan por toda la parte inferior de la tela, unas se inclinan hablando, otras beben vino, otras bailan, con brazos y piernas formando líneas curvas. Se pasan el vino los unos a los otros. La mujer recostada que ocupa el primer plano del centro de la tela se dice que es Violante, de quien el pintor estaba enamorado por entonces.

  Venus de Urbino, también llamada La Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo. En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis, desde 1736 se encuentra en la Galleria degli Uffizi (Florencia). En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol, al lado de tal ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un arcón, tal arcón parece evocar al mito de la caja de Pandora. Mientras que a los pies de la joven desnuda duerme un perrito, la presencia de tal perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, la mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez. ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido de cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.

  El retrato de Carlos V en la batalla de Mühlberg, 1548; Tiziano retrató al anciano emperador tal y como estaba en aquella mañana primaveral, embutido en su armadura guarnecida de oro, sobre el pecho la banda roja con franjas doradas, cuando se dirigía al teatro de la guerra y acababa de atravesar el peligroso vado de Elba. La lanza del monarca, tendida hacia adelante, explica la necesidad urgente de avanzar. El colorido es rojo oscuro y se destaca velado, pero vigorosamente, el rojo del penacho del yelmo, de la banda y de la manta del caballo. Lleva una larga lanza, que recuerda a San Jorge, quien según la leyenda mató a un dragón. En esta obra, combina los prototipos de caballero medieval y de caudillo imperial, y crea de esta manera el mejor resumen de una imagen pública tan compleja como fue la de Carlos V, quien tenía que gestionar y mantener unido un imperio transoceánico con múltiples lenguas y culturas.

 

  Amor sagrado y Amor profano, hacia 1515.

La tela recoge una escena con tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una fuente de piedra ricamente decorada, situados en un paisaje iluminado por una puesta de sol. Las mujeres, de belleza renacentista, son de similares características, habiéndose pensado en ocasiones que se trata de la misma persona. Representa una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto, el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad). La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica.   

ARQUITECTO DE SAN PEDRO

La colaboración de Miguel Ángel en la Fábrica de San Pedro se inicia oficialmente el 1 de enero de 1547, pero ya desde hacía tiempo había participado en los estudios para la reedificación de la basílica, símbolo de la cristiandad, demolida por decisión de Julio II a comienzos de siglo. En la dirección de los trabajos el artista sucedía a Antonio da Sangallo el Joven. La herencia era difícil por las profundas divergencias con su predecesor en la concepción de la arquitectura, pero finalmente Miguel Ángel cedió a la insistencia del papa Pablo III, aunque su primera acción como gubernator de la fábrica vaticana fue la demolición de buena parte de lo construido por Sangallo, gesto que le enemistó con los maestros de obra fieles al predecesor, marcando una vez más en sentido negativo las relaciones con sus compañeros de trabajo. De hecho, los proyectos de Miguel Ángel para San Pedro manifiestan una posición de ruptura respecto a todos sus ilustres predecesores y afirman una concepción original y dinámica en la ideación de la planta, en la solución de uniformar el exterior mediante colosales pilastras corintias, en la creación de un ático que contribuye al ímpetu de los muros, recogidos en la fuerte tensión de la poderosa cúpula, punto culminante de todo el sistema constructivo.

             

Bernini también hizo el espectacular baldaquino de bronce macizo sobre el altar mayor de la basílica. El bronce utilizado en la construcción del baldaquino fue extraído de los casetones de la cúpula del Panteón Agripa de Roma. Este baldaquino está decorado con abejas, símbolo heráldico de la familia Barberini.

 La Cátedra de Pedro e el Gloria, de Bernini.

 

Bóveda de la Capilla Sixtina en Roma, por Miguel Ángel realizada entre 1508 y 1512.

Se conoce como La bóveda de la Capilla Sixtina al conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano (Roma). Fue pintada entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel y es una de las obras pictóricas más complejas y más bellas de toda la historia del arte, encargada por el papa Julio II para sustituir la pintura que había en aquel momento a base de un fondo azul con estrellas doradas, realizada por Piero Matteo d'Amelia, según la tradición de los templos paleocristianos.

En la bóveda de cañón rebajada, el artista diseñó una complicada arquitectura simulada, donde incluyó el desarrollo de historias del Génesis, narradas desde el extremo del altar hasta la puerta de entrada de la capilla, en más de quinientos metros cuadrados de espacio. Desde 1508 hasta el otoño de 1512 estuvo trabajando Miguel Ángel, en su realización solo, sin ayudantes. El 1 de noviembre de 1512, se celebró la primera misa en la capilla, después de acabada la pintura de la bóveda. 

El techo de la Capilla Sixtina está dividido en varias secciones, que los elementos arquitectónicos simulados consiguen multiplicar los marcos de la bóveda y separan las nueve escenas del Génesis que son las que reciben mayor atención gracias a su complejidad,sobre los lunetos de las ventanas y las enjutas laterales es donde están los antepasados de Cristo, los triángulos donde se encuentran los tronos de los Profetas y las Sibilas y finalmente las enjutas de las esquinas o pechinas donde están las cuatro historias clave de la Salvación del pueblo de Dios(Israel).

Se le da una semblanza gótica a la estructura de la bóveda, pero Miguel Ángel no hizo ninguna crucería diagonal, solamente los triángulos podrían recordar en algo al estilo gótico, de hecho, se parece más a una nave central de un salón romano o también de un templo románico, organizado en tramos transversales. En esta sección rectangular se encuentran narradas nueve escenas del Génesis, pudiendo agruparse en trípticos: las tres primeras historias desde el altar hablan de la Creación del Mundo; las tres siguientes, de la Creación del Hombre y de su expulsión del Paraíso; y, las tres últimas, ilustran la historia de Noé. Algo raro en el orden de los frescos es que al entrar a la Capilla por la puerta principal, la primer escena que vemos pintada es la de La embriaguez de Noé, en otras palabras, las escenas están pintadas en el orden inverso.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni,  también conocido como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, considerado uno de los más grandes artistas de la historia. Miguel Ángel (llamado Michelangelo), fue uno de los artistas más reconocidos por sus esculturas, pinturas y arquitectura.  Su vida coincidió con el que quizás fue el período de los cambios más importantes.

En 1496 decide marcharse a Roma, ciudad que le vio triunfar, iniciando una década de intensísima actividad generadora de arte, al término de la cual, sin haber alcanzado apenas los treinta años, se consagra como un artista puntero. Antes de 1501 ya había esculpido La Piedad del Vaticano y el Baco de Bargello. Realiza entonces el David, obra cumbre de la escultura y de una gran complejidad por lo estrecho que es el mármol, colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia (actualmente en la Galería de la Academia), convirtiéndose en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento. La piedad es su única obra firmada.

Entre marzo y abril de 1508, el artista recibe de Julio II el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en mayo acepta y los frescos los concluye cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. Idea una grandiosa estructura arquitectónica pintada, elaborando esculturas de potentes musculaturas en dos dimensiones, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpone una interpretación neoplatónica del Génesis, dando forma a la interpretación de las imágenes que se van a convertir en el símbolo mismo del arte del Renacimiento. La obra se presentó públicamente el 31 de octubre de 1512. En 1534, a disgusto con la nueva situación política de Florencia, abandona la ciudad estableciéndose definitivamente en Roma, donde acepta el encargo de Clemente VII, para el altar de la Capilla Sixtina, donde realiza el Juicio Final, entre 1536 y el otoño de 1541.

El 18 de febrero de 1564, falleció Miguel Ángel, a la edad de ochenta y ocho años. Fue enterrado en la iglesia de los Santos Apóstoles de Roma. Más tarde, su cuerpo fue robado y llevado a Florencia, donde está enterrado actualmente en la iglesia de Santa Croce. Fue Giorgio Vasari el encargado de diseñar el monumento que está sobre su tumba y comprende tres figuras llorosas que representan la pintura, la escultura y la arquitectura. 

   El original de «El David» de Miguel Ángel

 

               Tumba de Juliano de Médicis, San Lorenzo, Florencia (1526-31). 

LA NOCHE

La obra, en mármol, realizada entre los años 1526 y 1531, está sentada en el lado izquierdo del sarcófago de Giuliano de Médicis en la capilla Medicea. Mide 1,94 m de largo. Aparece semiacostada y casi replegada sobre sí misma, en un movimiento que contrapone el brazo derecho a la pierna izquierda. Descansa con los ojos cerrados, como si estuviera dormida, y con la cabeza inclinada apoyada en una mano. Ha sido interpretada en clave política, psicoanalítica o también, en conexión con otras alegrías de la capilla, como símbolo del aire o del agua, de la fecundidad de la noche e incluso como personificación de la naturaleza y de la muerte.

   La estatua de la Noche es la única a la que acompañan algunos atributos. La luna, la estrella en la diadema, las adormideras, la máscara y el búho. Este último se esconde en la curva de su pierna, y es el ave de la noche, misterioso y siniestro, tradicionalmente considerado precursor de desgracias, relacionado con el temperamento saturnino, oscuro e inestable. La máscara, de derivación clásica, constituye un atributo de la Noche y ha sido interpretada como alusión al sueño, a la pesadilla e incluso a la sensualidad. Ha sido formulada la hipótesis de que pueda tratarse de un autorretrato del artista.

En respuesta a la admiración que le suscitó la estatua, Miguel Ángel escribió el siguiente poema:

<<Amo el sueño, y mejor ser piedra, mientras la pena y el dolor sean nuestro sino. No ver, no sentir es mi gran fortuna; No me despertéis, pues, dejadme tranquilo>>

             EL DÍA

 El contrapunto de la estatua es la poderosa figura El Día. Con su inmensa cabeza erguida para mirar por encima del musucoloso hombro, El Día repite la impresión de estar en alerta de Giuliano d Médicis. Su postura es opuesta a la Noche. Ella abre el pecho al observador y le oculta el pecho, mientras él abre las piernas hacia el espectador y le oculta el pecho. Esta figura está en una postura complicada, cruzada y torneada. El brazo izquierdo aparece por detrás de la espalda; esta majestuosa figura guarda un difícil equilibrio sobre el sarcófago, además los pies  le cuelgan inseguros en el vacío.

Enlace interesante: http://www.michelangelo.com/buon/bio-index2.html

 

   La dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico del esfumado, y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen. La galería se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes, cuando hizo su viaje a Milán. El paisaje posee una atmósfera húmeda y acuosa que parece rodear a la modelo. Se ha intentado localizar el aparente recodo del Arno o una porción del Lago de Como. Debe tenerse en cuenta que el lado izquierdo parece estar más alto que el derecho, entrando en contraste con la física, puesto que el agua no puede encontrarse estática a desnivel en el terreno.  En consecuencia, cuando centramos nuestras miradas sobre el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece más alta o más erguida que si tomamos como centro la derecha. Y su rostro, asimismo, parece modificarse con este cambio de posición, porque también en este caso las dos partes no se corresponden con exactitud. Por otro lado, en medio del paisaje aparece un puente, elemento de civilización, que podría estar señalando la importancia de la ingeniería y la arquitectura.

La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual, se habrían barrido las veladuras o leves trazos con que se pintaron. Vasari, en efecto, sí habla de cejas: «En las cejas se apreciaba el modo en que los pelos surgen de la carne, más o menos abundantes y, girados según los poros de la carne, no podían ser más reales». Según otros expertos, Leonardo nunca le pintó cejas ni pestañas para dejar su expresión más ambigua o porque, realmente, nunca llegó a terminar la obra. El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmática.

  Detalle de la mirada de la modelo.

Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas.El brazo izquierdo descansa sobre una butaca. La mano derecha se posa encima de este brazo. Esta postura transmite la impresión de serenidad y de que el personaje retratado domina sus sentimientos. La conservación de la obra es mediana. En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro. Leonardo pintó la sonrisa de la Mona Lisa usando unas sombras que se ven mejor con la visión periférica. Para ilustrar el efecto, puede concentrarse la mirada en una sola letra sobre una página impresa y comprobar lo difícil que resulta reconocer el resto de letras.

  Detalle de la sonrisa de la Mona Lisa.

Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el momento de posar. Para esclarecer esta teoría, un grupo de investigadores utilizaron un escáner de infrarrojos en tres dimensiones. Consideran que el velo de gasa fina y transparente, enganchado al cuello de la blusa, era una prenda que solían llevar las mujeres embarazadas. Por otro lado, el estudio reveló el peso (63 kilos) y la estatura (1.68 m) de la modelo, así como que llevaba un moño en el pelo cubierto por un bonete detrás de la cabeza, que el cuadro fue colocado en el cuarto de baño del rey Francisco I y que no aparece ningún mensaje secreto en ninguna de las capas de la pintura, como se contaba en la novela El Código Da Vinci.

  Las manos de la Gioconda sobre el vientre hacen suponer que estaba embarazada.

Acusa una fisura relativamente importante en el borde superior, que desciende en vertical sobre la cabeza del personaje. Las capas de barniz han amarilleado por el tiempo. Pero se dice que los responsables del Louvre se resisten a abordar una restauración en profundidad, por miedo a alterar el aspecto de la obra.

Su verdadero nombre es Alessandro Filipepi. Aprende con Filippo Lippi el arte d la pintura y también la elegancia de su maestro. Botticelli es fruto del período crítico que le tocó vivir. Refleja como nadie los impulsos del alma tanto en pinturas religiosas como paganas. Sin ser colorista ni pretenderlo, realza por el color el tremolo continuo y contagioso de sus líneas. Entre sus obras religiosas destaca el tondo de la Virgen del Magnificat, de maravillosa composición y hermosura de conjunto. La suave inclinación de la cabeza de María, el elegante gesto de los ángeles que alzan sus brazos sosteniendo la corona d la Virgen se ajustan en naturalidad a la curva del cuadro y todas la figuras se cierran en un círculo de amor. Se trata de un tondo o cuadro circular, con un diámetro de 118 centímetros. La escena se enmarca sin problemas gracias al ritmo de la línea, siendo una obra en la que predominan las curvas (en los rizos, los brazos, las manos, el río).

La obra representa a la Virgen María coronada por dos ángeles. El título del cuadro proviene de lo que la Virgen está componiendo, guiada por la mano del Niño: el salmo que comienza "Magnificat", sobre un libro de pergamino. Ella se sitúa en el centro, ricamente ataviada y con la cabeza cubierta por velos transparentes y preciosas telas, sus rubios cabellos se entretejen con el chal anudado sobre el pecho. En la profusión de oro y detalles de velos y telas se ve la influencia de Filippo Lippi. Dos ángeles la atienden, vestidos como pajes, sujetando el tintero con la tinta.

 En el brazo de la Virgen está el Niño, que observa a la madre, mientras con la mano izquierda aferra una granada, símbolo de la resurrección. Las figuras se enmarcan en una arquitectura, como se ve en el arco del fondo. La composición queda airosa gracias a la disposición de los dos ángeles que sirven de atril al libro que conducen a través de una diagonal ideal hacia el paisaje del fondo. Los colores son cálidos, luminosos. Transmite así una atmósfera de espiritualidad ideal y lírica, contornos suaves y fluidos y pliegues de una gran sensibilidad.

 

Rasgos propios de la pintura medieval son la presentación de las figuras en actitudes forzadas y poco naturales y las dimensiones de los personajes no son las naturales, sino las que corresponden según su importancia devocional. La Virgen María, adorando a un gigantesco Niño Jesús, es tan grande que si ella se pusiera en pie no cabría bajo el techo de paja del establo. Ellos dos son, por supuesto, las figuras más santas e importantes de la obra.

  Hay tres ángeles sobre el portal. Los ángeles llevan ramas de olivo, que dos de ellos han entregado a los hombres que abrazan en el primer plano. Estos hombres, así como los supuestos pastores en sus vestiduras con capa de la derecha y los magos con largos ropajes a la izquierda, están todos coronados con olivo, el emblema de la paz. En los rollos que hay alrededor de las ramas del primer plano, combinados con algunos de los que sostienen los ángeles que bailan en el cielo, se lee: 'Gloria a Dios en las alturas, y en la tierra paz, buena voluntad hacia los hombres'. Como los ángeles y los hombres se acercan aún más, de la derecha a la izquierda, para abrazar, pequeños demonios se dispersan por agujeros en el suelo. Los rollos sostenidos por los ángeles apuntando a la cuna decían: `Contemplad al Cordero de Dios, que quita el pecado del mundo' las palabras de Juan el Bautista presentando a Cristo. Por encima del techo del establo el cielo se ha abierto para revelar la dorada luz del paraíso.  La danza de los ángeles en torno a una cúpula dorada parece una cita teatral. 

"Nacimiento de Venus"  -  Fue pintado para la Villa d Lorenzo d Médicis y probablemente formó pareja con La Primavera. Narra que, para dar Venus al mundo, el mar fue fecundado por Saturno.

  Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.

"La Primavera" - Botticelli se inspiró en el texto de Lucrecio De la Naturaleza de las cosas.  Es una obra impregnada de cultura humanística y neoplatónica de la corte de Lorenzo el Magnífico. Tiene un tono de narración situada fuera del tiempo real. Se presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano. Rompe con la pintura religiosa cristiana al ilustrar un rito pagano de primavera. Venus en el centro, castamente vestida, a su derecha las tres gracias con Mercurio, presentan unos bellísimos desnudos movidos y subrayados por transparentes gasas que los envuelven.  A su izquierda, Flora seguida de la Primavera,  intenta detener en vano la estación anterior. Todo es belleza y amor, y d esto último se encarga cupido disparando sus flechas.

  

 

FRAY ANGÉLICO - Su verdadero nombre era Guildolino di Pietro, supo combinar la vida de fraile  con la de pintor. Hay que considerarlo como un continuador de Giotto y por su excelencia del cristianismo. Artista de primerísima categoría se manifiesta en la importancia que concede al oro y en el alargamiento y curvilíneo de sus figuras.  Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982. 

    Fresco en el convento dominico de San Marcos en Florencia.

 

  Se trata de una obra realizada alrededor del año 1430, es decir, en un momento de transición entre la pintura gótica y el renacimiento. De la época medieval quedan rasgos como la minuciosidad propia de la miniatura, como puede verse en la flora delante de Adán y Eva, en las detalladas alas del ángel o en su halo dorado. La luz y el color son ya renacentistas, así como la austeridad de la arquitectura.

MASACCI0 - Se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica. Es posible que el joven artista comenzara su andadura en Florencia en el taller de Bicci di Lorenzo o en el de algún otro. El 7 de enero de 1422 se inscribió en el Arte (gremio) de médicos y especieros, lo cual indica que ejercía ya como pintor autónomo en la ciudad del Arno. Su primera obra segura es el tríptico para San Juvenal de Casia, que lleva la fecha, en la tabla central, de 23 de abril de 1422: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D’AP[RILE].

  Tríptico de San Juvenal  

 

   El Tributo de la moneda

1. Cuerpo superior:

• La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal (Masaccio)
• El tributo (Masaccio)
• Predicación de San Pedro (Masolino)
• Bautismo de los neófitos (Masaccio)
• Resurrección de Tabita (Masolino, con intervenciones de Masaccio)
• Adán y Eva en el paraíso terrenal (Masolino)

2. Cuerpo inferior:

• San Pedro en la cárcel visitado por San Pablo (Filippino Lippi)
• La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra (Masaccio)
• San Pedro cura a los enfermos con su sombra (Masaccio)
• La distribución de los bienes y la muerte de Ananías (Masaccio)
• Disputa de San Pedro con Simón Mago y muerte de San Pedro (Filippino Lippi)
• San Pedro liberado de la cárcel (Filippino Lippi)

FRA FILIPP0 LIPPI - Monje como Fray Angélico, no renunció a la vida del mundo.  Ocupa un destacado lugar entre los pintores del Quattrocento italiano, sobresaliendo por la originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el dibujo, que influyó decisivamente en Botticelli. Interesado por la perspectiva, por la luz y por el naturalismo, muy al estilo de la estética donatelliana. Sus Vírgenes son de una gracia y un encanto extraordinarios. Sobresale por la originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el dibujo, que influyó decisivamente en Botticelli, destacándose su valoración por el movimiento y el gusto por lo anecdótico. Como naturalista, tiene un realismo menos vulgar que el de algunos de sus contemporáneos, con animaciones genuinas que incluyen incidentes semi-humorísticos y personajes menores. Trata frecuentemente temas religiosos. Su carrera estuvo en continuo desarrollo, sin grandes variaciones en estilo o color.

 

  Virgen con Niño y dos ángeles, 1445

La gran aportación de Fra Filippo Lippi al Quattrocento se encuentra en el sentido humano de sus obras, que se aprecia sobre todo en las Madonnas como la de la pintura mostrada. Este tipo de Madonnas servirá de inspiración a Botticelli, quien trabajó en el taller de Lippi en Prato. En la pintura, dos ángeles elevan al Niño hasta la Virgen que la recibe con las manos en actitud orante; en el rostro de María se aprecian los rasgos de Lucrecia Butti, novicia que con quien Fra Filippo Lippi tuvo al pintor Filippino Lippi. Los rostros son muy expresivos, especialmente el del ángel, que dirige su mirada inocente y una sonrisa cómplice al espectador para involucrarle en el episodio. En el fondo se destaca el paisaje rocoso enmarcado por una ventana en colores pálidos, que otorga una sensación de profundidad. El color en la pintura crea una delicada luz, y el juego de luz y sombras, sumado a las transparencias en algunas telas, genera la ilusión de movimiento. La Virgen en este cuadro está representada en plena juventud, sentada sobre un rico sillón. Junta sus manos para adorar al Niño que requiere su atención.

Domenico Ghirlandaio - Se trata de uno de los pintores considerados como maestros del Renacimiento Italiano, con una facilidad para el pincel, ingenioso y elegante, fácil de comprender, capaz de expresar maravillas cualidades encantadoras de los últimos años del Quattrocento. En sus obras se observa que sus personajes son más elegantes, sus conjuntos más nutridos de personajes, siendo buena parte de ellos retratos y sus arquitecturas amplias, ricas en decoración y perspectiva.

  Viejo con su nieto, Museo del Louvre de París