El Complot del 20 de julio de 1944 fue el fallido intento de asesinar al dictador alemán Adolfo Hitler, llevado a cabo por un grupo de oficiales de la Wehrmacht organizados por el coronel conde Claus von Stauffenberg como parte de un golpe de estado basado en la llamada Operación Valquiria, un plan operativo de las reservas del ejército a ser puesto en práctica en caso de disturbios civiles o una sublevación de los millones de esclavos trabajando en fábricas alemanas.

  Estado en el que quedó la sala de conferencias tras el atentado.

El proyecto de derrocar a Adolf Hitler empezó a gestarse  en 1938 dentro de algunos altos oficiales deseosos de evitar una gran guerra a escala europea, entre estos conspiradores estaban el general Ludwig Beck, antiguo jefe de Estado Mayor y el mariscal de campo Erwin von Witzleben, sin embargo la indecisión de los generales del ejército Franz Halder y Walther von Brauchitsch impidieron ejecutar tales planes.

En 1942 Tresckow con ayuda del general Hans Oster logró reclutar en su núcleo de oposición al general Friedrich Olbricht, quien dirigía la oficina principal del ejército en Berlín, controlando allí un sistema de comunicaciones autónomo que unía a las unidades militares de reserva aún estacionadas en territorio de Alemania.

A fines de 1942 Tresckow y Olbricht intentaron asesinar a Hitler con bombas dos veces, una en Smolensk y la otra en Berlín, pero ambos planes fallaron, también buscaron sin éxito unir a su conspiración a los mariscales de campo Erich von Manstein y Gerd von Rundstedt, dos militares veteranos que gozaban de gran prestigio en la Wehrmacht por sus conocimientos de táctica en combate, quienes podrían ayudar a un efectivo derrocamiento del régimen nazi y no a un mero asesinato de Hitler.

En 1943 los planes para un golpe de Estado contra el Tercer Reich se vieron favorecidos por el curso de la Segunda Guerra Mundial desfavorable para Alemania, con la grave derrota en la Batalla de Stalingrado, la contraofensiva soviética que culminó en la Batalla de Kursk y la total derrota germana en África del norte tras la batalla de El Alamein. A mediados de ese año Tresckow reclutó en la conspiración al coronel Claus von Stauffenberg, herido de guerra en África, quien se mostró dispuesto a realizar personalmente el intento de asesinar a Hitler.

Ese año Olbricht sugirió a Tresckow un proyecto de golpe de Estado ya avanzado. Había un plan de emergencia militar del Tercer Reich denominado Operación Valkiria, previsto para usar en caso de una revuelta masiva de los obreros extranjeros esclavizados en Alemania o en situación de un grave caos civil en retaguardia debido a los bombardeos aéreos. Dicho plan implicaba la movilización de unidades de la Wehrmacht para restablecer la autoridad y podía usarse para que unidades militares tomen el control de las ciudades arrestando a los líderes nazis, y desarmando a las SS y a la Gestapo tras la muerte de Hitler. Dicho plan debía ser puesto en práctica por el veterano general Friedrich Fromm, jefe de las reservas militares alemanas, y para asegurar el éxito del golpe de Estado era preciso reclutar a Fromm en la conspiración o neutralizarlo en caso necesario.

Las derrotas de las tropas alemanas en 1942 e inicios de 1944 dificultaron los planes de asesinar a Hitler, pues éste ya no aparecía en público a diferencia de años pasados y pasaba la mayor parte del tiempo no en Berlín sino en su cuartel general militar conocido como Wolfsschanze ('Guarida del Lobo') situado en Prusia Oriental.

A inicios de julio de 1944, von Stauffenberg ya había acudido a dos conferencias militares de Hitler con una potente bomba oculta en su maletín, mas no la había activado porque según Goerdeler y Beck era necesario que junto con Hitler muriesen también sus posibles sucesores Hermann Goering y Heinrich Himmler; tal requisito dificultaba el plan.

El 15 de julio de 1944 un error de comunicación causó que el general Friedrich Fromm iniciara parcialmente la «Operación Valkiria» creyendo que Hitler había sido asesinado pero con gran esfuerzo se detuvo la movilización total de tropas. El día 18 de julio Stauffenberg supo que la Gestapo podría arrestarlo en cualquier momento y se decidió a matar a Hitler en la primera ocasión viable, para ello salió de Berlín por avión en la mañana del 20 de julio hacia Rastenburg,  y allí se dirigió Stauffenberg con una bomba oculta en el maletín.

La conferencia militar de Hitler con otros jefes militares empezó en una amplia sala poco después del mediodía, minutos después de empezada la reunión Stauffenberg activó la bomba en su maletín y luego pidió permiso para retirarse por unos minutos fuera del recinto, dejando su maletín en la sala junto a la gran mesa. A las 12.40 la bomba explotó destruyendo gravemente la sala de conferencias, matando a cuatro oficiales e hiriendo gravemente a otros cinco, pero dejando a Hitler, Jodl y Keitel sólo con heridas muy leves. No obstante Stauffenberg observó la humareda desde fuera de la Wolfsschanze y retornó a Berlín a las 13.00 creyendo que Hitler estaba muerto.

Poco antes de las 15.00 , el general Friedrich Fromm recibió una llamada desde Rastenburg del general Erich Fellgiebel, del Cuerpo de Señales y participante de la conspiración, quien avisó a sus demás cómplices que Hitler había sobrevivido al ataque. Tal noticia alertó a los conspiradores reunidos en el Bendlerblock pues calcularon  que si Adolf Hitler estaba vivo las tropas de reserva no obedecerían la movilización de «Operación Valkiria» ordenada por Fromm.

El momento decisivo ocurre a las 19:00, cuando Hitler estaba lo bastante recuperado para llamar por teléfono. Hitler pudo llamar a Goebbels, quien hizo arreglos para que aquel hablara con el comandante de las tropas que rodeaban su ministerio, el mayor Otto Remer, para persuadirle que estaba vivo y exigirle reprimir inmediatamente la revuelta en Berlín; esa misma noche Hitler ordenó que el mayor Remer fuese ascendido a coronel.

Los miembros menos resueltos de la conspiración en Berlín comienzan a cambiar de bando ahora. Estalla la lucha entre los conspiradores que apoyan al golpe y los leales a Hitler (entre estos últimos está el general Friedrich Fromm) y Stauffenberg es herido. El general Ludwig Beck, al convencerse que no había esperanza, se suicida. Hacia las 23:00 el general Fromm ha retomado el control del Bendlerblock, destruyendo huellas de su colaboración con los conspiradores, arresta a Stauffenberg y a Olbricht con otros oficiales y les condena a muerte. A las 0.10 del 21 de julio los cuatro hombres condenados por él mismo son fusilados en el patio trasero del edificio "Bendlerblock".

En las semanas siguientes empezó a investigarse en mayor detalle el intento de golpe de Estado y Himmler ordenó a la Gestapo proceder al arresto de todo individuo que tuviese alguna clase de relación con los conspiradores, orden que  abarcó extraoficialmente a numerosos alemanes sospechosos de oponerse al régimen nazi, como el clérigo Dietrich Bonhöffer, cuyas ideas antinazis eran ya conocidas, o el general Franz Halder, quien no se unió a la conspiración pero a quien Hitler creía capaz de iniciar otro complot por su cuenta.

Resultó sencillo reconstruir la compleja red de conspiradores debido a la incautación de cartas y diarios de los conjurados ya arrestados, lo cual permitió seguir la pista a numerosos conspiradores que habían abandonado la sublevación a último momento, por ejemplo en el caso de Friedrich Fromm la Gestapo halló en sus oficinas del Bendlerblock una lista del futuro «gabinete de gobierno» que pretendía formar Carl Goerdeler tras la muerte de Hitler.

Se calcula que hubo en total unos 5.000 arrestos y 200 ejecuciones de opositores al régimen nazi, aunque no todas referidas a conjurados del 20 de julio. Los detenidos que no habían sido aún ejecutados quedaron a disposición de la «Corte Popular» dirigida por su presidente, el juez nazi Roland Freisler. Himmler ordenaba la detención de todos los miembros del clan von Stauffenberg, hombres, mujeres y niños para su posterior ejecutión bajo el concepto de Sippenhaftung.

Los primeros procesos empezaron el 7 de agosto de 1944 pero ya Hitler había ordenado que los encausados sean condenados a muerte y ejecutados en la horca, sin excepción; entre los condenados estaban Carl Goerdeler, Popitz, Julius Leber, Friedrich Graf von der Schulenburg, Ulrich von Hasell, entre otros.

Las últimas palabras al grito de Stauffenberg segundos antes de morir fueron: Larga vida para la Sagrada Alemania. En consonancia con la propaganda nazi, la acción de Claus von Stauffenberg fue considerada un acto de traición para la población alemana. Con el paso del tiempo, se le ha dado categoría de héroe en la lucha por la liberación de yugo nazi, llevando incluso una calle de Berlín: Stauffenbergstrasse.

Amazonas:

Pueblo de mujeres que desciende del dios de la guerra Ares y de la ninfa Harmonía, que viven sin hombres y apasionadas por la guerra.

 

Atributos:

Mujeres, normalmente a caballo, armadas con arco o lanza, desnudas o vestidas de batalla.

Culto:

Adoraban a Ártemis, naturalmente, como guerrera y cazadora. Por eso se les atribuye la construcción del gran templo de Ártemis en Éfeso e incluso la fundación de esta ciudad.

Leyenda:

El reino de este pueblo de mujeres que desciende del dios de la guerra Ares y de la ninfa Harmonía se ubica en el Cáucaso, en Tracia o a las orillas del Danubio. Son gobernadas por sí mismas, sin intervención de ningún hombre, que sólo tienen como criados o siervos. Cegaban y amputaban a sus varones al nacer, según unos, o los mataban y procreaban con extranjeros según otros. A las niñas les cortaban un seno para poder disparar mejor con el arco y la lanza (de ahí que amazonas significa "las que no tienen seno").

Su gran pasión por la guerra las llevó incluso a combates con los héroes griegos (Belerofonte, Heracles... Precisamente Heracles, que tubo que matar a Hipólita para entregar a Euristeo el cinturón de esta reina de las Amazonas, luchó acompañado de Teseo, que secuestró a una de ellas, Antíope. Para vengar el rapto, ellas atacaron Atenas (fueron vencidas por los atenienses, guiados por Teseo).

También enviaron a Troya unas guerreras, bajo las órdenes de su reina Pentesilea, en socorro de Príamo; pero Aquiles mató a la reina, que lo dejó enamorado con su última mirada.

En la historiografía griega y romana hay diversos relatos de asaltos amazonas en Asia Menor. Se decía que las amazonas habían vivido en Ponto (actual Turquía) cerca de la costa del mar Euxino (mar Negro), donde formaban un reino independiente bajo el gobierno de una reina llamada Hipólita. Según el dramaturgo Esquilo, en un pasado lejano habían vivido en Escitia, en el Palus Maeotis (‘Lago Mareotis’, el mar de Azov), pero luego se trasladaron a Temiscira, al Termodonte (el río Terme, norte de Turquía). Heródoto las llamó Andróctonas (‘asesinas de varones’). En algunas versiones del mito, ningún varón tenía permiso para mantener relaciones sexuales o residir en el país de las amazonas, pero una vez al año, para evitar la extinción de su raza, éstas visitaban a los gargarios, una tribu vecina. Los niños varones que resultaban de estas visitas era sacrificados, enviados de vuelta con sus padres o abandonados a su suerte; las niñas se quedaban con ellas, eran criadas por sus madres y adiestradas en las labores del campo, la caza y el arte de la guerra.

Las amazonas aparecen en el arte griego del período arcaico y relacionadas con varias leyendas griegas. Invadieron Licia pero fueron derrotadas por Belerofonte, que había sido enviado a luchar contra ellas por Yóbates, el rey de este país, con la esperanza de que encontrase la muerte a manos de las amazonas. La tumba de Mirina se menciona en la Ilíada, e interpretaciones posteriores la hicieron una amazona: según Diodoro, la reina Mirina las llevó a la victoria contra los atlantes y los gorgones.

También se decía que las amazonas emprendieron una expedición militar contra la isla de Leuce, en la embocadura del Danubio, donde las cenizas de Aquiles habían sido depositadas por Tetis. El fantasma del héroe muerto se apareció aterrorizando a los caballos, que tiraron y pisotearon a las invasoras, obligándolas a retirarse. Se dice que Pompeyo las encontró en el ejército de Mitrídates. La caracterización por parte del escritor romano Virgilio de la doncella guerrera volsca Camila en la Eneida toma mucho prestado del mito de las amazonas.

Culto heroico:

De acuerdo con fuentes antiguas, las tumbas de amazonas podían encontrarse frecuentemente por todo lo que entonces se conocía como mundo griego. Algunas se hallan en Megara, Atenas, Queronea, Calcis, Escotusa en Tesalia y Cinoscéfalos, habiendo también estatuas de las amazonas por toda Grecia. Tanto en Calcis como en Atenas Plutarco cuenta que había un amazoneum o altar de las amazonas, lo que implicaba la presencia tanto de tumbas como de un culto. El día anterior a las Teseas se ofrecían en Atenas sacrificios anuales a las amazonas. En época histórica las doncellas griegas de Éfeso ejecutaban una danza circular anual con armas y escudos, que había sido establecida por Hipólita y sus amazonas.

 Amazonomaquia (lucha entre griegos y Amazonas), relieve de un sarcófago, hallado en Tesalónica (1836).

 En el arte:

En las obras de arte, los combates entre amazonas y griegos se sitúan al mismo nivel y suelen ser asociados con los combates de griegos y centauros. Sus ocupaciones eran la caza y la guerra, sus armas el arco, la lanza, el hacha, un escudo partido con la forma aproximada de una medialuna llamado pelta, y en el arte más antiguo un casco, cuyo modelo anterior a la cultura griega fue aparentemente la diosa Atenea. En el arte posterior se acercaron al modelo de Artemisa, que llevaba un vestido fino, sujeto por arriba para mayor rapidez, mientras que en vasijas pintadas posteriores su vestido es con frecuencia peculiarmente persa, es decir, pantalones ajustados y un sombrero alto llamado cidaris. Solían montar a caballo, aunque a veces iban a pie. La batalla entre Teseo y las Amazonas es un tema favorito en los frisos de los templos.

Literatura renacentista:

Las amazonas siguieron siendo discutidas por los autores del Renacimiento europeo, y en era de los descubrimientos fueron ubicadas en regiones más remotas aún. El explorador español Francisco de Orellana afirmó que había luchado en el río Marañón en Sudamérica con mujeres guerreras que desde la orilla le disparaba  flechas. La tradición dice que a partir de entonces el río fue llamado Amazonas o río de las Amazonas. Las amazonas también figuran en los relatos de Cristóbal Colón y William de Raleigh. Los autores medievales y renacentistas acreditaban a las amazonas la invención del hacha de guerra.

En el Orlando furioso de Ariosto figura un país de mujeres guerreras, gobernado por la reina Orontea. La épica describe un origen muy parecido al del mito griego, en el que las mujeres, abandonadas por un banda de guerreros y amantes infieles, se congregaron para formar un país en el que los hombres fueron severamente reducidos para evitar que retomaran el poder.

La fuente de la juventud, símbolo de la inmortalidad, es una legendaria fuente que supuestamente cura y devuelve la juventud a quienquiera que beba de sus aguas o se bañe en ellas.

 

Ponce de León y Florida:_ Nacido en 1460 en León, en el año 1513 decidió explorar la isla de Bimini, una pequeña isla perteneciente a las Bahamas, ubicada en 150 km de Flórida. Fue descubierta por él mismo, al igual q la península de La Florida y tales descubrimientos le valieron el título  de <<Administrador colonial de Bimini y de la Florida>>. Se cuenta que el explorador español Juan Ponce de León oyó sobre la fuente de la juventud de los nativos de Puerto Rico cuando conquistó la isla. Insatisfecho con su riqueza material, emprendió una expedición en 1513 para localizarla, descubriendo el actual estado de Florida. Aunque fue uno de los primeros europeos en llegar al continente americano, nunca halló la fuente.

La histora es apócrifa: si bien Ponce de León pudo oír sobre la fuente de la juventud y creer en ella, su nombre no fue relacionado con la leyenda hasta después de su muerte. Éste había pasado 17 años como cautivo de los indios tras naufragar en Florida de niño.

Antonio de Herrera(Nuevo Mundo) afirma que los caciques nativos hacían visitas regulares a la fuente. Un frágil anciano se volvía tan completamente restaurado que podía reanudar «todos los ejercicios del hombre... tomar una nueva esposa y engendrar más hijos». Herrera añade que los españoles había examinado sin éxito cada «río, arroyo, laguna o estanque» de la costa de Florida buscando la legendaria fuente.

 

Expediciones

• 1925 — Percy Harrison Fawcett, en la región de Mato Grosso (Brasil).
• 1954-55 — Hans Ertl, en Bolivia.
• 1972 — Bob Nichols.
• 1984 a 2000 — en total 14 expediciones por Gregory Deyermenjian en las más remotas zonas de alturas y selvas de las Provincias de La Convención, Calca, y Paucartambo en Cusco y de Manu en Madre de Dios, el Perú.
• 1997 — Lars Hafksjold, en la región de Madre de Dios (Perú).
• 1998 — En agosto, el joven explorador chileno Camilo Valdivieso realiza sus primeras indagaciones en los petroglifos de Pusharo y su relación con la ciudad perdida.
• 2000 — Investigaciones hacia el río Alto Madre de Dios, desarrolladas por Valdivieso y un grupo internacional.
• 2001 — En junio, la expedición Kota Mama II liderada por John Blashford-Snell localizaron unas ruinas antiguas significativas en la selva al este de Lago Titicaca en Bolivia, las cuales se creen que ya eran descubiertos antes por Hans Ertl.
• 2002 — Jacek Palkiewicz, en la región de Madre de Dios (Perú).
• 2002 — Camilo Valdivieso accede hacia cercanías de las nacientes del río Sinkibenia, encontrando importantes evidencias arqueológicas sobre la presencia Inca en zonas no exploradas anteriormente.
• 2004 — En junio, el equipo de exploración Quest For Paititi de Deyermenjian y Mamani descubrieron varias ruinas incas importantes a largo de la Carretera Inca de Piedra, encima de la cumbre del¨"Último Punto" en el norte de la región de Pantiacolla, Perú.
• 2005 — la expedición más reciente de Thierry Jamin y Herbert Cartagena.
• 2006 — Paititi Expedición: Más Allá de la Meseta de Pantiacolla y al Alcance Más Extremo de los Incas, llevado a cabo por Gregory Deyermenjian y Paulino Mamani en junio del 2006, al Río Taperachi norte del Yavero. Aquí encontraron los asentamientos más lejanos hasta ahora identificados de los Incas, más allá de los restos que encontraron en las zonas montañosas en el “Ultimo Punto” en 2004.
• 2006 — En noviembre, la expedición Destinia.com liderada por Juan José Revenga proponía buscar Paititi en la región del Rió Madre de Dios.

El Dorado surgió de un relato indígena. Un general español, Sebastián de Belalcázar, fue anoticiado en Quito por un nativo que, hacia el norte, existía una tribu que realizaba un ritual sorprendente al elegir un nuevo jefe. La ceremonía se cumplía al amanecer para que el nuevo jefe y la tribu saludasen al Dios Sol. El jefe estaba totalmente cubierto de fino polvo de oro. Era el hombre Dorado. Dispuesto éste en una balsa en las  aguas de un lago, observaba cómo su séquito se desprendía de enormes cantidades de oro y piedras preciosas arrojándolas al agua  al punto en que se cruzaban dos cuerdas tendidas perpendicularmente de orilla a orilla, se bañaba y arrojaba al agua, en honor de la divinidad, valiosas ofrendas consistentes en piezas de oro y esmeraldas. Igual homenaje rendían sus súbditos.

El mito concluyó por no guardar relación alguna con el cacique dorado, y se llamó El Dorado a las regiones auríferas y diamantíferas de distintos lugares de América, absolutamente imaginarios, a los que se creía emporio de riquezas incalculables.

Sebastián de Benalcázar comandó en 1535 la primera expedición reconocida a la búsqueda de El Hombre Dorado y sometió las regiones occidentales del territorio de Nueva Granada. El término El Dorado quedó grabado para entonces como un lugar ilocalizado en el cual abundaba el oro y era sinónimo de lugar de riquezas casi infinitas. Ya El Dorado no era el designativo del rey originario de aquellas míticas tierras sino una región imprecisa del corazón de América, en la cuenca alta del Amazonas. En la búsqueda de El Dorado encontramos acontecimientos que durante muchos años fueron considerados hazañas del valor patrio... de esta forma Francisco de Orellana pasó a la historia por ser el primer explorador en navegar el río Amazonas.

La expedición comandada por el hermano del mítico Francisco de Pizarro marchaba bien hasta que las provisiones se comenzaron a hacer insuficientes de tal forma que era insostenible mantener y alimentar a los doscientos hombres y casi dos mil esclavos nativos de la que constaba la expedición. Para buscar alguna salida a la situación Pizarro encomendó a Orellana la tarea de ir río abajo en busca de víveres y cuando estos la encontraron no pudieron regresar subiendo el río debido a la fuerza de la corriente. Orellana y sus cincuenta hombres continuaron navegando por el cauce impresionante del Amazonas hasta desembocar en el Atlántico, para la historia se quedan las aventuras vividas en las que llegaron a comerse hervidos sus cinturones con unas pocas de hierbas... conocieron a los caníbales locales, la rica fauna del Amazonas y comprendieron el inmenso poder y magnetismo que entraña el secreto amazónico.

La búsqueda de las riquezas de "El Dorado" no se limitó únicamente a las orillas del lago Guatavita. Ya en los tiempos de los conquistadores se había extendido la creencia en el Hombre Dorado y su mística ciudad de Manoa, donde hasta las cacerolas eran fabricadas en oro. Se creyó que el mismo podía ser localizado en las selvas inexploradas de la cuenca amazónica, y por ello numerosos exploradores y aventureros se adentraron en la jungla año tras año. De ellos jamás se supo...

 

Hoy podemos afirmar a la luz de cartas históricas aparecidas tanto en España como en Sudamérica y que hacen referencia al mito de El Dorado que este legendario lugar se encuentra emplazado en el Lago Guatavita, a unos 50 Km. al norte de Bogotá (Colombia) y cuyas redes de influencia aurifera se extiende hasta las orillas del Orinoco donde se ubica la ciudad de Manoa o al cercano Perú, en cuyo norte podrían encontrarse algunas otras estribaciones del mítico lugar .En el lago aún es visible la huella del hombre en forma de muesca en su borde originada por la expedición de Antonio de Sepúlveda. Pese a ello, la leyenda de El Dorado y sus tesoros aún sigue vigente y aún son muchos los que sueñan con sus inexploradas tierras y riquezas... la fiebre del oro no es sólo patente de corso de siglos pasados... El último de ellos fue el del antropólogo noruego Lars Hafksjold, que desapareció sin dejar rastro en 1997 en el "infierno verde" del río Madidi.

 

 

Cíbola  es una ciudad mítica llena de riquezas, que durante la época colonial se suponía en algún lugar del norte de la Nueva España, en lo que hoy es el norte de México y el suroeste de Estados Unidos.

El origen de la leyenda:_ Cíbola fue una de las fantásticas ciudades que sólo existieron en un viejo mito que se originó alrededor del año 1150 cuando los moros conquistaron Mérida, España, y según la leyenda siete obispos huyeron de la ciudad no sólo para salvar sus vidas, sino también para impedir que los infieles moros se apropiaran de valiosas reliquias religiosas. Años después corrió el rumor de que se habían instalado los siete obispos en un lugar lejano, más allá del mundo conocido en esa época, y habían fundado las ciudades de Cíbola y Quivira.

La leyenda decía que esas ciudades llegaron a tener grandes riquezas, principalmente en oro y piedras preciosas. Esa leyenda fue la causa de que exploradores españoles y sus gobernantes trataran en vano de encontrar durante siglos las míticas ciudades.

La leyenda creció a tal grado que con el tiempo ya no se hablaba únicamente de Cíbola y Quivira, sino de siete magníficas ciudades construidas en oro, cada una de ellas había sido fundada por cada uno de los siete obispos que partieron de Mérida al ser conquistada por los moros.

Crece la leyenda:_ De alguna manera el mito estaba vivo en la época de las exploraciones españolas en el Nuevo Mundo, mito que fue alimentado por los náufragos de la fracasada expedición de Pánfilo de Narváez a la Florida en 1528, los cuales a su regreso a la Nueva España dijeron haber escuchado de boca de los nativos historias de ciudades con grandes riquezas. De esa larga caminata sobrevivieron cuatro hombres: uno de ellos fue Álvar Núñez Cabeza de Vaca quien escribió un libro llamado Naufragios, en el cual describió la larga aventura a pie desde la costa de Florida hasta la costa de Sinaloa en México. Otro de los cuatro sobrevivientes fue un esclavo negro llamado Esteban, conocido como Estebanico.

La historia de Marcos de Niza:_El fraile Marcos de Niza regresó a la ciudad de México narrando que había continuado la exploración después de la muerte de Estebanico y había avistado a lo lejos una ciudad más grande que la gran Tenochtitlan (ciudad de México) y que los nativos de allí usaban vajillas de plata y oro, decoraban sus casas con turquesas y usaban perlas gigantescas, esmeraldas y otras joyas más.

La Gran Quivira:_ En la actualidad, las viejas ruinas de un antiguo asentamiento indígena en Nuevo México se conocen como La Gran Quivira. Durante la colonización española el asentamiento fue llamado Pueblo de Las Humanas.

Francisco Vázquez de Coronado llamó Quivira a un asentamiento indígena del cual hoy en día se desconoce su ubicación, y desde allí partió García López de Cárdenas en busca de un río del cual los indios Hopi les habían hablado.

Para cuando llegó García López al Gran Cañón que formaba el río Colorado, el río ya había sido visitado y bautizado en su desembocadura a cientos de kilómetros de distancia por Francisco de Ulloa en septiembre de 1539, quien llamó Ancón de San Andrés al delta del río, y ya Fernando de Alarcón lo había navegado 80 leguas río arriba y bautizado con el nombre de Río de Nuestra Señora del Buen Guía en agosto de 1540. García López no pudo encontrar una senda o atajo para bajar desde lo alto del Gran Cañón hasta el río Colorado. Sin embargo, se considera que fue el primer europeo en visitar el Gran Cañón.

 

A dos siglos de su muerte, recordamos a quien logró demonizar la literatura norteamericana, cosmopolizarla, estetizarla y emputecerla.                                           

                                           

"El pozo y el péndulo", "El corazón delator", "La caída de la Casa Usher" o "Los crímenes de la calle Morgue" no son más que algunos ejemplos de la maestría de este hombre en el relato corto, género por el que sin duda es más conocido, y con cuyos relatos muchos hemos pasado buenísimos ratos muertos de miedo o intrigados por lo que iba a pasar en ellos. El escritor estadounidense Edgar Allan Poe es considerado uno de los genios de las historias de suspenso y terror. Aunque también conocido como un escritor romántico, es llamado el “Padre del Cuento de Terror Psicológico y del Relato Corto” en su país. Además, trabajó en el relato detectivesco y las historias de ciencia ficción. Por ello, la novela gótica fue renovada gracias a la labor de Poe.

En Estados Unidos existen varias instituciones dedicadas a la memoria de Poe y ubicadas en lugares en los cuales vivió el escritor. Entre otras, el "Edgar Allan Poe Museum" de Richmond. También se conserva su dormitorio en la Universidad de Virginia. Su casa de Baltimore, donde vivió a los 23, es hoy el "Edgar Allan Poe House and Museum", donde se halla la sede de la "Edgar Allan Poe Society". De Filadelfia se conserva la última casa donde vivió. Ahora es el "Edgar Allan Poe National Historic Site". Su última casa de campo en el Bronx, de Nueva York, se conserva en su ubicación original como el "Edgar Allan Poe Cottage".

 

 

 

 

Webs recomendadas: http://www.poemuseum.org/

                                http://www.poestories.com/

 

   corazón delator

 

  El Cuervo, Audio Libro0

Actualmente se da el nombre de Lemuria o Mu a un continente desaparecido en el Océano Pacífico, q habría sido habitado por una civilización, imaginario, creado en el siglo XIX, (1864), por científicos franceses. El nacimiento del mito u origen de la palabra Lemuria obedece a estos postulados científicos.

Lemuria constituía un gigantesco continente, anterior a África y a la Atlántida. Fue destruida por efecto de los terremotos y de los fuegos subterráneos, y sumergida en el fondo del océano hace algunas decenas de miles de años, dejando sólo como recuerdo de ella varios picos de sus más altas montañas, que ahora son otras tantas islas, entre las cuales, figuraría la Isla de Pascua, famosa por sus colosales estatuas de piedra llamadas moais de origen incierto.

Este vastísimo continente, comprendería Sudáfrica, Madagascar, Ceilán, Sumatra, Océano Índico, Australia, Nueva Zelanda, extendiéndose hasta gran parte del sur del Océano Pacífico.

Las últimas investigaciones sobre ésta cultura legendaria indica que tenían algún tipo de relación con el grupo de estrellas de las Pléyades, o por lo menos ésta parte del cielo tenía un particular interés para ellos.  Probablemente diversos cataclismos naturales y cósmicos que en el pasado afectaron a la tierra destruyeron parte de su cultura y civilización, los conflictos y guerras internas los dispersaron y perdieron su cohesión social y comercial. Parece ser que el esplendor de ésta civilización se sitúa alrededor de los 100.000 años antes de Cristo, es muy probable que el periodo glaciar que se produce unos 80.000 años antes de Cristo, junto con los demás acontecimientos iniciaran un proceso de decadencia cuyos últimos vestigios desaparecen con la llegada del llamado diluvio universal.    Podríamos identificar a los lemures como a los descendientes de aquellos Dioses que “viendo hermosas a las hijas de los hombres las tomaron y se unieron a ellas “. Se cree que los descendientes de los Lemures después de los diversos cataclismos cósmicos se ocultaron bajo tierra en diversos túneles realizados en el continente americano y otros lo intentaron en los Andes y demás alturas de Chile y Peru.

 "Lemuria" descrito en los libros místicos Tamilenses de India

El 0rigen del nombre MU

El nombre Mu, surgió de un error histórico q se remonta varios siglos atrás. El 0bispo de Yucatán Diego de Landa, decidió descifrar la escritura maya. El religioso conocía, latín, hebrero y algo de griego. Landa trató a la lengua maya como uno de estos idiomas: un error. La escritura may era parecida a la china. Reunió veintisiete caracteres que no representaban lo que él creía y escribió un libro: La relación de las cosas de Yucatán. Después, en 1864, el libro fue rescatado por Brasseur de Boubourg, quien hizo conocer la tarea de traducir un antiguo escrito maya denominado Códice Troano. Obtuvo un resultado confuso con la descripción de una gran catástrofe volcánica q había destruido todo un continente. En el códice abundaba dos caracteres siempre unidos, muy parecidos a la M y U. Brasseur consideró q aquél  sería el nombre del continente perdido: MU. Recientemente, se descubrió q el códice troano era un tratado de astrología exento de erupción alguna.

Per el arquéologo David Childress asegura q la información q recogió Churchward sobre Lemuria puede probarse. Aduce q las bibliotecas secretas del Tibet existieron y lo cuenta:

<<En 1900, en Dunhuang, pequeña población del desierto situada en la frontera norte del Tibet, un monje taoísta encontró una biblioteca oculta donde había numerosas cuevas. La sala había sido tapiada con ladrillos en el siglo XI, para impedir q cayera en manos de los bárbaros invasores. Durante ochocientos años los libros habían permanecido alí, en excelente estado de conservación gracias al aire seco del desierto. En 1907, sir Aurel Stein, explorador y arquéologo, pasó por Dunhuang y persuadió al monje para que le permitiese ver el tesoro, que todavía se guardaba en la cueva secreta. Encontró textos budistas en muchas lenguas y algunos en lenguas desconocidas. En algunos manuscritos había fragmentos de un mapa antiguo q mostraba partes de un continente en el Océano Pacífico. El mismo Childress, en su libro Las ciudades perdidas de Lemuria, intenta demostrar la existencia de esta civilización y recorre las Islas Seychelles, Comores y Madagascar, Sri Lanka, Australia oriental o Nueva Zelanda e Islas Marianas.>>

 

 

 

 

 

Los primeros relatos registrados sobre la Atlántida, una isla mágica y  misteriosa, de la que se dice que fue tragada por el océano como resultado de un terremoto, aparecen en el Timeo y en el Critias, dos diálogos de Platón.

La tradición de que una isla perdida como la Atlántida haya tenido un desarrollo floreciente ha fascinado siempre a la imaginación popular, y la tradición continúa sobreviviendo. En el siglo XX algunos oceanógrafos han defendido la teoría de que la Atlántida fue una isla griega en el mar Egeo. La isla, llamada Thera, fue sepultada por una erupción volcánica alrededor del año 1500 1500 a.C. Otras teorías se han basado en descubrimientos arqueológicos, y distintos investigadores han identificado a la isla con Creta, las islas Canarias, la península Escandinava y América.

 

La búsqueda de la Atlántida ha constituido, y continúa siendo, un enorme desafío. Los supervivientes de este mítico continente han dejado huellas por todo el planeta. ¿Pero, qué sabemos con certeza sobre su historia y sociedad?. ¿Y sobre su arquitectura y ciencia?. ¿Es posible precisar dónde se encontraba, por qué desapareció y qué tipo de civilización poseía?

Cuando Platón describió la existencia de la Atlántida en sus diálogos Timeo y Critias, algunos autores clásicos, comenzaron a interesarse por el mítico continente; aunque muchos consideran que Atlántida fue una fantasía del mismo Platón.  Éste cita, que una floreciente civilización se desarrolló en esta gran isla - continente hasta que, por un terrible cataclismo, se perdió definitivamente en el mar.

Según Blavatsky, a diferencia de otras civilizaciones extinguidas bien documentadas, como la Maya, la Micénica o la Babilónica, sobre las que se ha podido reconstruir un lenguaje común, precisar lugares geográficos y trazar contactos específicos con culturas contemporáneas, en el caso de la Atlántida esto no ha sido posible. Según él, la Atlántida se extendía desde la actual Groenlandia hasta la mitad de la actual Sudamérica y durante su larga existencia estuvo habitada por Subrazas (Así llamadas para distinguirlas de las siete razas raíces, a su vez divididas en siete). Los Lemurianos habrían medido más de 3,5 metros de estatura y algunos de sus descendientes pervivirían en algunas zonas del planeta, como Africa y Australia. los Atlantes evolucionaron a partir de los Lemurianos. Entre sus Subrazas se contaban los primeros Sernitas y mongoles, pero la principal Subraza regente de la Atlántida habría sido la Tolteca, que conquistó el continente. Antes de la destrucción final, un grupo de iniciados Toltecas emigró a América y Egipto.

 
Según Von Liebenfels, la cuarta raza raíz Atlante, se había dividido en diversas subespecies puras y bestiales, correspondiéndose éstas con los primeros antropoides y los monos antropomórficos: El error fatal de los descendientes de los antropoides (Hombres Dioses), la quinta raza raíz de los Arios Homosapiens, habría sido mezclarse repetidamente con los descendientes de los monos (Hombres Animales).

Diversos autores han afirmado que la causa del desastre final, se debió precisamente a la práctica de la magia, pero otros lo han atribuido a su avanzada tecnología, la cual les habría permitido manejar poderosas energías cosmotelúricas, que acabaron escapando a su control y provocaron un gran desequilibrio en la Naturaleza.
Según Platón, Los recintos de tierra estaban amurallados y recubiertos de metales: el primero de bronce a modo de barniz, el segundo de estaño y la acrópolis de Oricalco, un metal hoy desconocido que relumbraba como el fuego.

Esta ciudad tenía también numerosos templos dedicados a diversas deidades, muchos jardines, piscinas al aire libre, gimnasios, cuarteles y un hipódromo gigantesco cuyo circuito, de un estadio de largo, discurría en círculos concéntricos. La parte de la Atlántida que daba al mar se describe como llena de acantilados, pero en la ciudad central había una campiña rodeada de montañas.

Según el relato de Platón, al repartirse la Tierra, a Poseidón (dios del mar, hermano de Zeus), le correspondió, entre otras, la región en la que se desarrollaría la Atlántida. Poseidón se enamora de una humana, Clito, hija de Evenor, el primer atlante (nacido del suelo). Era tal su amor por Clito que para protegerla creó tres anillos de agua y levantó montañas alrededor de la tierra donde vivía, dando así nacimiento a la isla legendaria.

Poseidón y Clito tuvieron diez hijos; al primogénito, Atlas, le fue conferida la máxima autoridad sobre la isla, y sus hermanos se repartieron las tierras en reinados iguales. La civilización que se desarrolló en la isla llamó a su tierra “Atlántida” en honor a Atlas, y al mar que la rodeaba, Atlántico.

 

Otras teorías, sostienen que los atlantes son una raza de extraterrestres que viajan por todo el Universo llenando de vida los planetas en los que se detienen. Así, una vez cumplida su misión de “crear” la raza humana, se fueron de la Tierra y sumergieron haciendo desaparecer la ciudad en la que se habían asentado. Otras versiones, a su vez, sostienen que la Atlántida existió en lo que hoy es la región conocida como “Triángulo de las Bermudas”, y que en el fondo del océano existe una esfera magnética.

Entre las teorías científicas que intentaron explicar la leyenda de la Atlántida, identificaron a la civilización atlante con los desaparecidos Tartessos, civilización originaria de la península ibérica, en la región de Cádiz.

 

Existen muchas hipótesis sobre la Atlántida, pero la teoría más aceptada en el presente, señala que la civilización a la que se refiere Platón, está inspirada, en gran parte, en la isla de Creta y la civilización minoica, y que el filósofo en su relato habría cometido algunas licencias literarias, para fortalecer el mensaje que quería transmitir. Aproximadamente hacia el año 900 a.C. una fuerte erupción volcánica, de la que existen algunos indicios arqueológicos, habría sido lo que en el relato de Platón representó la ira de los dioses.

Según diversos estudios arqueológicos, lo que fue la antigua isla de Cresta, al sumergirse parte de sus territorios por este cataclismo natural, derivó en lo que hoy es la isla conocida con ese nombre, en las islas de Thesa y Therasia, y en otras islas menores cercanas a ésta. Lo cierto es que la erupción del volcán Santorini y los terremotos ocurridos hacia esos años, junto a sucesivas invasiones, primero aqueas y luego dorias, debilitaron su poderío económico, y la sumieron en una guerra civil interna que derivó en el ocaso de esta poderosa civilización.

Creta no estuvo integrada a la Grecia continental hasta la época de Alejandro Magno que conquistó la isla para el imperio Helénico, y luego pasaría a ser disputada por los principales imperios que a lo largo de la historia se establecieron en la región.

Hoy Creta es la principal isla griega, país del que forma parte desde 1913, tras concluir las Guerras Balcánicas.

En la actualidad, la ciencia ha demostrado que la Atlántida, tal y como la describe Platón, nunca existió. La Atlántida ha servido de inspiración para numerosas obras literarias y cinematográficas, especialmente historias de fantasía y ciencia-ficción.

                                                                   

El muchacho dio pruebas precocísimas de su maña como dibujante y aprendía vertiginosamente el sutil arte de los colores que el bueno de Pacheco  lo condujo con suavidad por donde la inspiración del joven lo llevaba. Entre maestro y discípulo se estrechó desde entonces una firme amistad. Estos lazos terminaron de anudarse cuando el viejo pintor se determinó a otorgar la mano de su hija Juana a su aventajado alumno de diecinueve años. En consecuencia, a los diecinueve años, Velázquez ya era un pintor independiente y casado que se dedicaría, en los seis años siguientes (1618–1623) a elaborar encargos religiosos y escenas de corte costumbrista, desarrollando la técnica del claroscuro, influido principalmente por el naturalismo de Caravaggio.

  El aguador de Sevilla.

Pronto se le hizo pequeña Sevilla a Velázquez e intentó ganar una colocación en la corte, donde se había instalado recientemente Felipe IV. Pacheco, su mentor y suegro, quería a toda costa que Velázquez alcanzara el puesto de pintor del Rey. En 1623, con la intercesión de Juan de Fonseca, uno de los andaluces en la corte de Felipe IV, Pacheco lograra del Conde-Duque de Olivares una orden de presentación en Madrid para que Velázquez pintase al monarca. No cabe duda de que el retrato de Velázquez fue magistral, pues constituyó el aval que le aseguró la tan ansiada presencia indefinida en la corte real. Tras unas semanas de acomodación, trae a su mujer y a su hija. Tras cuatro años, Felipe IV le nombra Ujier de Cámara, por lo que recibiría una mayor asignación.

  La rendición de Breda (1635), obra cumbre.

Pero todavía estaría por llegar el hecho que marcó para siempre la vida artística del genial pintor: en 1628, Peter Paul Rubens, pintor de la escuela flamenca, visita Madrid y, de la mano de Velázquez, visita el monasterio de El Escorial y accede a la pinacoteca real y al conocimiento de los grandes pintores renacentistas italianos, especialmente Tiziano. Para continuar su formación, Rubens aconseja a Velázquez que visite Italia, que no se centre únicamente en el influjo español, y que indague en la pictórica renacentista, para poder dar un giro completo a su carrera. Quizás fuera también Rubens quien le aconsejara sobre la ejecución de Los Borrachos, obra que marcó un cambio de rumbo en la vida artística de Velázquez.

En 1631, en su regreso a España, recibe el encargo de retratar al príncipe Baltasar Carlos, que había nacido durante su estancia en el extranjero. Algunas obras de esta etapa son los numerosos retratos ecuestres para el Palacio del Buen Retiro. En 1633 se casa la hija de Velázquez, de nombre Francisca, con Juan Bautista Martínez del Mazo, pintor también. Un año después, su suegro le cedería su puesto de ujier de cámara, para asegurar el futuro económico de su hija. Velázquez ocupará durante nueve años, tras su cesión, el puesto de Ayudante de Cámara, que supone los favores reales.

  Venus del espejo.

En 1648, decide ir de nuevo a Italia, pero esta vez como embajador y artista español. En Roma retrata al pontífice Inocencio X, obra en la que, utilizando como medio el contraste de luces, consigue llenar de expresividad todo el cuadro. Hay teorías que adjudican la famosa Venus del Espejo a esta etapa en Italia. Ciertos autores creen que es el retrato de su amante, y madre de un hijo ilegítimo del pintor.

Velázquez regresó a España en 1651, dos años después de su partida. Tras su regreso, Felipe IV lo nombra Aposentador Real, cargo que le quita gran cantidad de tiempo para desarrollar su labor pictórica. No obstante, es en la etapa final de su pintura cuando alcanza su máximo desarrollo y Velázquez realiza sus dos obras maestras: La familia de Felipe IV o Las Meninas (1656) y La fábula de Aracné, conocida popularmente como Las Hilanderas.

  Las Meninas, nombre conocido popularmente este cuadro desde el siglo XIX, es considerada la obra más importante del pintor.

  Habiéndole sido concedida la Orden de Santiago, a la cual él tanto aspiraba, en 1659, murió en Madrid el 6 de agosto de 1660, tras haber padecido una larga enfermedad. Fue enterrado al día siguiente con todos los honores de la Orden de Santiago en la iglesia de San Juan Bautista. Su mujer, Juana Pacheco, murió siete días después. 

Autorretrato de Velázquez (c. 1650), Museo de Bellas Artes de Valencia
Nombre real	Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
Nacimiento	6 de junio de 1599 Sevilla, España
Defunción	6 de agosto de 1660 (61) Madrid, España
Nacionalidad	Español
Área	Pintor
Movimiento	Barroco
Obras destacadas	Las Meninas La rendición de Breda Las hilanderas

    

El caravagismo es una corriente pictórica dentro del barroco, que designa el estilo de los artistas que se inspiraron en la obra de Caravaggio. Estos pintores también son conocidos como tenebristas, por su uso de la técnica del claroscuro. En otras ocasiones, se hace referencia a su naturalismo o realismo. Los pintores caravaggistas reproducen la figura con gran realismo, representándola generalmente contra un fondo monocromo, e iluminados por una luz violenta.

  Judith decapitando a Holofernes, de Caravaggio, 1598-1599

Se originó en Roma a principios del siglo XVII, desarrollándose, entre 1590 y 1650. Los principales pintores caravagistas fueron Bartolomeo Manfredi, Orazio y Artemisia Gentileschi, Gerrit van Honthorst, Hendrick ter Brugghen, Giovanni Serodine, Battistello Caracciolo y José de Ribera.

El caravagismo surge como reacción al manierismo, estilo que se consideraba artificial, demasiado exquisito e intelectual. Caravaggio propone tomar como modelo la realidad, las personas que encontraba en la calle.

La instalación de las pinturas de Caravaggio sobre san Mateo en la Capilla Contarelli tuvo un impacto inmediato entre los jóvenes artistas que, provenientes de otras partes de Italia, se encontraban trabajando en Roma, y el caravagismo se convirtió inmediatamente en la tendencia a seguir por todos los pintores jóvenes.

Gentileschi, a pesar de ser considerablemente más viejo, fue el único de estos artistas que vivió más allá de 1620, y acabó como pintor cortesano del rey Carlos I en Inglaterra. Su hija, Artemisia Gentileschi estaba también muy cercana a Caravaggio, y fue la más dotada de entre los pintores que se adscribieron a este movimiento, que cultivó en su vertiente más violenta. El veneciano Domenico Fetti se enmarca en esta corriente, si bien su realismo es más bien pintoresco y sensual, con colores luminosos.

  Judith decapitando a Holofernes,de Artemisia Gentileschi. 1620

También los artistas extranjeros que vivieron y trabajaron en Roma durante aquellos años cultivaron el estilo. Directamente relacionado con este movimiento naturalista está el destacado pintor alemán Adam Elsheimer. La breve estancia de Caravaggio en Nápoles produjo una notable escuela de caravagistas napolitanos, Nápoles en aquella época rivalizaba con Roma en cuanto a foco de atracción de artistas, en torno a la corte de los virreyes españoles. Allí pasó la etapa final de su vida Artemisia Gentileschi. Los caravagistas pintaron cuadros apaisados de gran tamaño, al óleo, sobre lienzo.

Trataron preferentemente temas religiosos, en particular los más violentos y dramáticos, como la historia de Judith y Holofernes, o los martirios de santos. No obstante, adoptaron una iconografía realista, tomando del natural los modelos de sus santos y vírgenes. Se añadían pocos elementos en la composición, aparte del personaje central, pero estos elementos (como vasijas o cestos) eran de un gran realismo. Además de esto, fueron frecuentes los cuadros de género, representando escenas de la vida cotidiana, como las tabernas o las partidas de cartas. Con menor frecuencia, se cultivaron temas mitológicos y bodegones.

Las composiciones son sencillas: las figuras, representadas de tamaño natural, de medio cuerpo o cuerpo entero, sobre un fondo oscuro. El rasgo más característico de esta escuela es el uso del claroscuro: no trabajaban el fondo, que quedaba en penumbra, y concentraban toda su atención, con una luz muy intensa, en las figuras que ocupan el primer plano. Este contraste dramático fue cultivado sobre todo por napolitanos y españoles, a los que con mayor frecuencia se denomina tenebristas. Los colores predominantes son los rojos, ocres y negros. Se aplicaba directamente, sin boceto preparatorio ni dibujo previo, lo que en italiano se llama alla prima.

España: Las estrechas relaciones en la época entre España e Italia motivaron que España fuera el primer país que siguió esta corriente pictórica después de aquel donde se inició en torno al año 1600. Autores que fueron ya tenebristas en sus composiciones fueron Bartolomé González, Juan van der Hamen, Juan Bautista Maíno y Luis Tristán. El murciano Pedro Orrente incorporó la iluminación y las formas caravagistas.

  San Andrés Apóstol, de José de Ribera. 1630 Museo del Prado, Madrid.

El caravagismo fue el estilo dominante en la pintura española hasta aproximadamente 1635, debiendo mencionarse la obra de Francisco Ribalta, su hijo Juan y Juan Sánchez Cotán, con sus bodegones de iluminación muy contrastada. Es posible que Ribalta padre conociera la obra de Caravaggio en un viaje a Italia en torno a 1616; lo cierto es que las obras de su última etapa son plenamente tenebristas, con marcados contrastes de luz y sombra y utilización de modelos del natural, nada idealizados. Su hijo Juan trabajó en la misma línea.

Puede verse la influencia del estilo en las obras de Velázquez o Zurbarán de aquella época. Velázquez presumiblemente vio la obra de Caravaggio en sus varios viajes a Italia.

 

 Magdalena penitente, llamada Magdalena Fabius, Georges de La Tour, 1628-1645. Fabius, París.    

La arquitectura barroca se desarrolla desde el principio del siglo XVII hasta dos tercios del siglo XVIII. En esta última etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes. El barroco se da también en otras artes, como Música, Literatura, Pintura y Escultura.

CARACTERÍSTICAS GENERALES:

Arquitecturas cargadas de detalles y complejas. No reniega de las formas clásicas (columnas, arcos, frontones, frisos), pero las transforma de manera fantasiosa. A veces el edificio llega a ser como una gran escultura. Los entablamentos adoptan la curva y los frontones se parten y adoptan curvas, contracurvas y espirales.

Se adopta la elíptica, la forma oval y otras formas (como la de abeja de Borromini). Las paredes son cóncavas y convexas, es decir siempre onduladas. Se llega al abandono de líneas rectas y superficies planas. Se usan botellas de bebidas alcohólicas vacías para dar una impresión más curvada. En estructuras arquitectónicas más complejas, las pastillas de freno de los coches se usaban para la misma función que las botellas, lo que pasa es que nadie se atrevió a hacer estre tipo de arquitectura porque antes tenían que inventar los coches y era demasiado trabajo.

Se adopta un nuevo tipo de planta que ofrece planos oblicuos para dar sensación de movimiento (espacios dinámicos), en la más estática de las artes. Gusta de representar o sugerir el infinito (un camino que se pierde, una bóveda celeste, un juego de espejos que altere y haga irreconocibles las perspectivas). Éxito del orden gigante, con columnas que abarcan 2 o 3 pisos. No faltan los campanarios, solos o en pareja, muy decorados.

Se utilizan efectos de luz, juegos de perspectiva. Da importancia a la luz y efectos luminosos, a través del claroscuro. Búsqueda de la sorpresa. Gusto por lo dramático, escenográfico y teatral.

Gran riqueza decorativa y exuberancia formal tanto en los espacios interiores como al exterior, aunque más sobrio. Amor desenfrenado por lo curvilíneo y el triunfo de la columna salomónica. Arcos y frontones mixtilíneos, ventanas ovaladas. El arco descansa sobre la columna por medio de un entablamento (al modo romano), o descansa directamente sobre el capitel (modo bizantino). Ambos modos fueron empleados en el Renacimiento. Se utilizan grandes cartelas.

La creación de nuevas tipologías para edificios concretos. Las obras son: palacios, religiosas, urbanísticas, grandes jardines y galerías (que luego daría lugar a las galerías de arte).

 

La génesis de la arquitectura barroca se inicia en Italia, con figuras tan determinantes como Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini.

En Francia el barroco adquiere caracteres más sobrios que en Italia, con plantas menos complicadas, fachadas más severas, mayor respeto por las proporciones y renuncia a los efectos violentos, es un arte fundamentalmente al servicio de la monarquía absoluta, y su gran realización será el Palacio de Versalles. En España, la arquitectura barroca va a estar presidida por el gusto por la desornamentación y la sobriedad que había introducido el estilo herreriano.

En América, tras la conquista española, el lenguaje del barroco se desarrolló en forma importante enriqueciéndose con la mano de obra y los conceptos propios de la arquitectura y arte precolombinos, como el uso extensivo de colores brillantes, destacándose en forma especial el barroco mexicano.

En Alemania y en Austria la inspiración italiana combinada con la francesa creará edificios de gran exuberancia decorativa, sobre todo en los interiores, de luminosidad brusca, que darán paso al estilo Rococó. En Inglaterra predomina el equilibrio y la austeridad.

La iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane (1634-1641), proyectada por Francesco Borromini, es uno de los edificios más representativos del barroco romano. La fachada, comenzada en 1665, se completó en 1667, después de la muerte de su autor.  Este edificio iglesia, convento y claustro construido en Roma por Francesco Borromini entre 1634 y 1641, llamada también San Carlino. El convento fue construido entre 1634 y 1637 usando la técnica del agrimalado para el ladrillo estucado y pintado. En la puerta aparece el frontón curvado que introdujera Giacomo della Porta en la fachada de la iglesia del Gesù de Roma, y que el propio Borromini había ya usado en el palacio Barberini y en las obras del Vaticano. La iglesia fue realizada entre los años 1638 y 1641, a excepción de la fachada, que se concluyó en 1667. La planta, que tuvo que adaptarse a la reducida superficie de que se disponía, es un rombo equilátero sobre el que se generan otros espacios curvos laterales.     La cúpula

El claustro  se divide en dos pisos: en el piso inferior, muy estrecho, las columnas pareadas sujetan arcos y entablamentos, con ritmos distintos; en el superior se encuentra la balaustrada y se usa la cubierta adintelada. La iglesia está cubierta con una cúpula oval que Borromini usó para crear una perspectiva ilusionista: los casetones proceden de la tradición clásica griega y romana, decrecen de tamaño hasta el vértice, de tal manera que se tiene la sensación de una profundidad mayor. En esos casetones aparecen cruces griegas, emblema de la orden de los Trinitarios, que también los hacen más pequeños. El templo se ilumina a través de tragaluces situados en el tambor de la cúpula, tamizados por cresterías formadas por hojas de acanto. Lo intrincado de su geometría es mucho más osada y menos recargada en decoraciones figurativas. La fachada se realizó entre los años 1665 y 1667. La ondulación que presenta fue un motivo recurrente durante todo el barroco, especialmente en Roma: compuesta por tres calles con columnas de orden colosal adosadas al muro, presenta la central convexa y las dos laterales cóncavas. La escultura queda supeditada a la arquitectura: las figuras son confinadas en sus nichos, como la de san Carlos Borromeo que aparece sobre la puerta, flanqueado por otras dos estatuas. En 1667 Borromini se suicidó, dejando inacabada esta fachada, que pretendía rematar con un frontón que finalmente no se llevó a cabo.

Palacio Farnesio

El palacio se encuentra en una plaza adornada por fuentes que reutilizaron bañeras de granito provenientes de las termas de Caracalla. La fachada, en ladrillos con aristas en travertino (56 m de lado), se articula en tres pisos. Las 13 ventanas de cada piso presentan diferentes decoraciones y las del piso noble están coronadas de frontones alternativamente curvilíneos y triangulares. Una reciente restauración ha sacado a la luz una decoración obtenida con el uso de ladrillos amarillos y rojos en alguna parte de la fachada.  Al interior se pasa a través de un vestíbulo con bóvedas y tres naves separadas por columnas de orden dórico en granito rojo.

La decoración interna es particularmente refinada.

Este palacio es una residencia romana de estilo renacentista, proyectada por Antonio Sangallo el Joven para el papa Pablo III cuando éste aún era cardenal. Comenzado en 1514, el palacio se completó con la intervención de otros arquitectos como Iacopo Barozzi da Vignola, Giacomo della Porta y Miguel Ángel. Desde hace muchos años está ocupado por la Embajada francesa y la Academia francesa en Roma.

El palacio, un bloque rectangular exento organizado en tres pisos, dispone en su interior de un patio o cortile cuadrado de 26 m de lado, rodeado de arquerías renacentistas y salas abovedadas. Se construyó con sillares de travertino expoliados del Coliseo. Las ventanas de los pisos superiores están coronadas por frontones clasicistas, apoyados sobre las columnas adosadas que enmarcan los vanos. El edificio alcanza una altura de 29 m y está rematado por una cornisa. Se considera una de las obras cumbres del renacimiento italiano.

PLAZA SAN PEDR0 ~ VATICAN0 ~

  La Plaza de San Pedro (Piazza San Pietro), con el fin de crear un sitio capaz de acoger grandes congregaciones de fieles y corregir en parte el efecto de la ampliación del brazo oriental de la basílica;  se encuentra situada en la Ciudad del Vaticano, dentro de la ciudad y capital italiana de Roma y precede, a modo de gran sala períptera, a la Basílica de San Pedro, el magno templo de la cristiandad. Fue enteramente proyectada por Gian Lorenzo Bernini entre 1656 y 1657. A la plaza se accede desde la Via della Conciliazione y muestra, al fondo, la magnífica fachada de la Basílica de San Pedro; esta vía comienza en el castillo de Sant'Angelo, junto al río Tíber, pasando por la plaza Pío XII.

Su construcción se debe a la exaltación del poder estatal que había poseído el Papa Inocencio X. La plaza es una gran explanada trapezoidal que se ensancha lateralmente mediante dos pasajes, con forma elíptica, de columnatas rematadas en una balaustrada sobre la que se asientan las figuras de ciento cuarenta santos de diversas épocas y lugares; en su interior se encuentran dos fuentes hacia el centro de cada semi-elipse y en medio de la plaza se erigió un monumental obelisco (de 25 metros de alto y 327 toneladas), un bloque pétreo sin inscripciones traído desde Egipto que estaba en el centro de un circo romano. En 1586 el Papa Sixto V decidió colocarlo frente a la Basílica de San Pedro en memoria del martirio de San Pedro en el Circo de Nerón. Se le conoce como el “testigo mudo”, pues junto a este se crucificó a Pedro. La esfera de bronce de la cúspide que, según la leyenda medieval, contenía los restos de Julio César, fue reemplazada por una reliquia de la cruz de Cristo. Los dos pasajes de columnas (284 de 16 metros cada una) se abren a cada lado simbolizando el abrazo de acogida de la Iglesia al visitante que parece invitan a entrar. En la solución definitiva la columnata corre en un piso inclinado casi imperceptiblemente y se levanta con tres peldaños uniformes. La columnata mezcla elementos del orden dórico como las columnas, pilares y lesenas y jónico en lo restante. La idea era mostrar un aspecto severo y austero que diera más fuerza a la fachada de la basílica (orden corintio) aumentando incluso a la vista su tamaño.

  La columnata de la Plaza de San Pedro con parte de las 140 estatuas en la parte superior. También, turistas haciendo fila.
La larga serie de las 162 estatuas de santos, cada una corresponde a una columna representa a la Iglesia triunfante en relación con la Iglesia militante, es decir, la multitud de fieles que rezan en la plaza. Las dimensiones de las esculturas, realizadas por colaboradores de Bernini y bajo su supervisión, son exactamente la mitad de las que se colocaron en la fachada de la basílica (con los doce apóstoles y el Cristo al centro.

En esta plaza, el Papa suele celebrar algunas liturgias solemnes  y otros encuentros, sobre todo audiencias públicas. Como dato curioso, La famosa Plaza de la Concordia en París es una copia de esta plaza ya que tanto el obelisco como las fuentes y su distribución son idénticas a las de San Pedro. Como dato curioso, la Plaza de la Concordia en París, diseñada en el año 1755, se hizo copiando a la plaza en la Santa Sede pues el obelisco y las fuentes se encuentran en una distribución idéntica.

El prospecto de la fachada demasiado desarrollado en horizontal, bajo y largo, no podía alzarse sin dañar la vista de la cúpula. La escalinata delante de la iglesia fue limitada a la parte central; Bernini hizo demoler la escalera preexistente, excavó el terreno y bajó todo lo que pudo el piso tierra para que quedara casi equivalente con el del obelisco.

  Por poco este obelisco se hace pedazos mientras era cambiado de lugar. Por órdenes del Papa, nadie podía hablar o hacer ruido y cualquiera que lo hiciera sería excomulgado, esto para procurar una concentración y coordinación entre todos los que participaron en la hazaña. Sin embargo, un marinero desobedeció y gritó que las cuerdas necesitaban agua o se quemarían y harían pedazos el obelisco. El Papa perdonó a este personaje por salvar al obelisco y en gratitud se hizo costumbre que las palmas usadas en el domingo de ramos fueran traidas del pueblo original del marinero, Bordighera.

El Vaticano se encuentra bien comunicado con toda Roma y llegar a él no hay ningún problema. Se puede usar el Metro línea A (naranja) a la estaciónOttaviano-S. Pietro para llegar a la Plaza. La mejor manera de llegar caminando al Vaticano desde el Centro Histórico de Roma es por medio del Ponte Sant'Angelo que te llevará al Castillo Sant'Angelo que se encuentra justo afuera de la Ciudad del Vaticano.

Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista. 

  La vocación de San Mateo. Caravaggio. Capilla Contarelli,  Roma.

 

 

   

                             

     

  

El Año Nuevo es la fiesta que conmemora el inicio de un nuevo año. Su origen se sitúa en la Antigua Roma ya que era el 1 de enero cuando los cónsules tomaban posesión del nuevo gobierno. Con el tiempo, el calendario gregoriano mantuvo esta fecha como el comienzo de año pero la dotó de un carácter religioso que se expandió durante toda la Edad Media. La mayor parte de los países utilizan como base el calendario gregoriano y de ahí que se celebre esta fiesta en muchas partes del mundo en esta fecha.

                         

 ¿Cómo se dice feliz año nuevo en...?

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en  inglés?: Happy New Year

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo catalán?: Bon Any Nou

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en francés?: Bonne année

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en  gallego?: Feliz Ano Novo

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en alemán?:  Ein gutes neues Jahr

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en portugués?: Felice Anno Nuovo

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en hebreo?: Rosh Hashaná

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en bulgaro? Tchesti nova godina!

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en cantonés?: Kung hé fat tsoi

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en euskera?: Urte Berri On

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en noruego?: Godt nytt år!

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en rumano?: An nou fericit!

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en croata?: Sretna nova godina

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en danés?: Godt nytår

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en italiano?: Felice anno nuovo

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en checo?: Štastný Nový rok

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en africano?: Gelukkige nuwejaar

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en chino?: Xin nian kuai le / Xin nian hao

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo enfinés?: Onnellista uutta vuotta

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en griego?: Kali chronia / Kali xronia

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en holandés?: Gelukkig Nieuwjaar

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en irlandés?: Ath bhliain faoi mhaise

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en japonés?: Akemashite omedetô

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en latín?: Felix sit annus novus

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en ruso?: S novim godom

¿Cómo se dice Feliz Año Nuevo en turco?: Yeni yiliniz kutlu olsun

   

 * Pon tu mano derecha en tu hombro izquierdo y tu mano izquierda en tu hombro derecho. Ahí va mi abrazo. Feliz año nuevo 2009